Livre d'or

L’ŒUVRE DE PHILHELM :

Il y a sans doute du manga dans l’œuvre de Philhelm. Mais ce serait réduire son œuvre en la limitant à cet aspect. Car il existe tout autant une éclosion surréaliste des formes et des couleurs. Elles ne sont pas sans rappeler parfois les œuvres de Tanguy et Léger. Mais l’artiste introduit aussi les écritures qui sont liées aux histoires qu’il évoque en faisant bien mieux que les reproduire (l’histoire étrusque, babylonienne ou assyrienne par exemple). Ecoutons d’ailleurs l’artiste parler de son travail : « Je décline les couleurs dans une correspondance avec les images et les écritures originelles pour retrouver une infime histoire du passé dans laquelle mon monogramme aurait toujours été présent tel un archétype ».

Cette approche est le fruit d’une révélation que souligne encore l’artiste : « les Dieux sont venus un jour à ma rencontre ! Ils daignèrent me présenter leurs messagers en héros accompagnés de leurs sphinx : Qu’ils me pardonnent si j’ose les citer dans la joie de mon cœur, même si je ne mets nulle mauvaise honte à leur demander grâce ». L’œuvre devient ainsi une remontée. Mieux : une régénérescence. Philhelm fait revivre des légendes, des connaissances perdues. Mais sa manière de les aborder vaut mieux que tous les traités d’archéologie du savoir même s’il leur emprunte quelques bribes.

Philhelm fait donc renaître d’improbables horizons, des mondes qui deviennent dans un frémissement une suite de lieux dont il ne signale pas la perte mais la renaissance. Dès lors - et par son graphisme particulier bien plus moderne qu’il l’imagine lui-même - ces lieux plus qu’un retour signale une avancée dans un monde qui d’ailleurs ressemble à certains que l’artiste évoque. Par exemple lorsqu’ il crée une œuvre dont le titre est « Quand les dieux étaient des hommes ».

N’est-ce pas ce qu’ils croient souvent être aujourd’hui ? Ce monde est aussi un univers du futur car on y perd pied, on s'y envole. Et ce par l'épreuve de leurs lointains que Philhelm ouvre à une proximité euphorisante et phosphorique. Cela permet en outre de prendre la mesure de l'espace et du temps. Ils sont soudain ouverts à un cosmos auquel l’artiste nous force à nous « convertir ». Il nous conduit donc dans un ailleurs. Celui-ci devient une évidence en se situant entre le rappel du passé d’une part et une sorte de science-fiction d’un genre particulier de l’autre.

Chaque monogramme cadre et décadre les repères proposés même par la modernité. C’est pourquoi son approche si elle n’est pas sans rappeler le surréalisme déjà cité trouve aussi des connexions non seulement avec le manga mais un certain street-art dont l’artiste reprend les formes et les couleurs « flash ». Dès lors la vision est contrainte de se déplacer vers un au-delà par les élans étranges que propose Philhelm en ses pulsions créatrices capables d’imaginer des fresques pour notre temps. En leur donnant un tel langage à la fois figural et onirique l’artiste introduit le lointain vers le proche afin que soient plus fortes la montée et la portée de ces légendes d’un temps qui soudain « repasse ses plats » pour notre ravissement.

Nous pénétrons en un étrange séjour. Nous errons dans ses parages en un va-et-vient entre le connaissable et l’inconnu, entre réel et irréel, passé et avenir. Nous dégageant de notre sol, de notre lieu, le monogrammiste nous noie dans son génie du lieu pour une évanescente épiphanie. Sa cosmographie extra-temporelle devient une plénitude ouverte. Se produit par la beauté des œuvres et leur majesté aussi ironique qu’altière une confrontation entre notre culture et celle que l’artiste exhume non en historien mais en franc-tireur « futuriste ». Formes et couleurs fascinent, on peut y respirer sans étouffer. Passé et futur forment donc bien un hymen imprévu. On se sent poussé (des ailes) par un étrange désir vers l'incompréhensible. Bref vers ce qui nous dépasse. Nous devenons les amants d'une extase troublante qui décourage les mots : laissons parler les images de Philhelm..

Jean-Paul Gavard-Perret

Analyse Artrinet de l’œuvre de PHILHELM

Le texte explicatif associé à chacun des quatre critères analysés (A - formalisme, B - matérialité, C - investissement, D - communication) positionne l’œuvre de l’artiste dans l’histoire de l’art en rappelant éventuellement les courants artistiques auxquels elle se rattache, ou les noms des artistes illustres s’étant exprimés dans une approche voisine.

A : FORMALISME
Le premier critère porte sur le formalisme de l’œuvre : que voit-on quand on regarde une œuvre, quel type de formalisation se donne à voir de prime abord ? Est-ce plutôt abstrait, plutôt figuratif, plutôt..., etc (classé du plus "immatériel" au plus "réaliste").?

A455 : "Néo-Figuratif", Figurations plus ou moins allégoriques ("Trans Avant Garde", "Bad Painting", ...)
J.G. Dokoupil, Julian Schnabel, David Salle, Reiner Fetting, Kenny Scharf, Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimo Paladino, ...

A420 : Arts Singuliers, Structures para-figuratives, linéaires - aplats colorés,
expression encore plus réduite, située entre Art naïf, Arts populaires, illustration et Bande dessinée (Gaston Chaissac, V.Brauner, Yvon Taillandier, Eliane Larus, ...). En 2D mais aussi en 3D (Sculptures de J. Dubuffet, Niki de St Phalle, ...).

A460 : "Néo-Figuratif", du "Pop'Art" au "Néo-Pop"
depuis l'émergence de l'image et du produit médiatisés dans l'art (Richard Lindner, E.Paolozzi, Ed Ruscha, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, ...) jusqu'à leur omnipotence actuelle (Haïm Steinbach, Jeff Koons, Olivier Blanckart, Marc Dion, Takashi Murakami, Wang Du, ...).

B : MATERIALITE
Le second critère porte sur la matérialité de ce qui est donné à voir. S’agit-il de pur concept, de jeu de matières, d’objet détourné etc. (classé du plus "immatériel" au plus "réel") ?

B190 : en matérialité structurée, lignes / à plats / Dessin
- Importance du "trait" pour le dessin (Hans Bellmer, Pierre Klossowski, J.L.Guitard,...), voire pour la gravure, etc.
- Importance des lignes qui structurent les champs colorés ou des dessins qu’ils contiennent (R.Indiana, P.

Stampfli, V. Adami, H. Télémaque, M. Sanejouand, Aki Kuroda,...).

B200 : en matérialité structurée, avec prééminence des couleurs
avec leurs force intrinsèque, symbolique (p.ex. "les bleus" de Monory, "les rouges" de G. Fromanger), historique, sociale, etc., et leur structuration, les couleurs sont ici le plus important (Jules Olitsky, Peter Halley, ...).

C : INVESTISSEMENT CORPS / ESPRIT
Le troisième critère porte sur « l’investissement » de l’artiste dans son œuvre. Avec quel ratio Corps / Esprit, l'artiste s'investit-il dans son œuvre ? Classé du plus "intellectuel" (p.ex. "l'Art Conceptuel", ...) au plus "physique" (p.ex. le "Body Art", ...).

C120 : plus vers l’intellectualité / l'essence, travail intérieur axé plus vers le projectif
l'onirisme, la poésie, le lyrisme, l'experience hallucinogène … Pour "projectiver" une intériorité pensée ou revée (Henri Michaux, Wols, ...).

C140 : plus vers l’intellectualité / l'essence, travail intérieur axé plus vers le fantasmatique
fantasmes de tous ordres, qu'ils soient sexuels, sociaux, religieux ou tous autres, du moment qu’ils sont "formellement" maitrisés (de Georgia O'Keeffe à Annette Messager, en passant par Clovis Trouille, ...).

C160 : plus vers la corporéité / les sens, par l'expression d’une "humanité" (allant de la Vie à la Mort)
- qu'elle soit factuelle (John de Andrea, Duane Hanson, Itsvan Sandorfi, ...)
- ou bien symbolique (James Ensor, G. Rouault, F. Gruber, Zoran Music, Rebeca Stevenson, Jan Vercruysse, ...), ...

D : COMMUNICATION
Le quatrième critère porte sur l’aspect « communication » : L'artiste a t-il une volonté délibérée de communiquer à travers ses œuvres un message quelconque ? (classé du plus "spiritualiste" au plus "sociétal").

D110 : via le signifié avec des spiritualités diverses, ou du religieux moins marqué
(de Barnett Newman à Mark Rothko, de Roman Opalka à Arnulf Rainer, ...).

D115 : via le signifié en narrations ou symboliques diverses qu'elles soient
allégoriques, métaphoriques (les matériaux de J. Beuys, ...), analytiques (les "suites de Fibonacci", de Mario Merz, ou celles de Robert Filliou, ...), critiques (de Henri Cueco à Hans Haacke ou Guillaume Bijl, ...).

EN SAVOIR PLUS sur la codification Artrinet

Si les progrès de l’informatique ont fait que l’on peut trouver à peu près tout et n’importe quoi en quelques clics sur le WEB, une recherche pointue dans le domaine de l’Art d’Aujourd’hui peut vite s’avérer fastidieuse, compte tenu de la pléthore des réponses possibles (exemple : la recherche avec Google des mots "artiste peintre" renvoie 6.370.000 résultats ! En effet il ne s’agit pas du nombre d’artistes visibles sur le Web, mais simplement du nombre de pages comprenant les mots "artiste peintre" ou l’un des deux mots seulement).

N’ayant pas encore pu intégrer (et probablement pas avant longtemps, heureusement ! ) la "subjectivité" propre à l’humain, l’informatique pourrait tout de même être d’une efficacité absolue dans ce domaine éminemment subjectif qu’est l‘art : à condition de lui fournir des critères de sélections les plus "objectifs" possibles !

C’est pour explorer cette voie inédite, qu’à la demande d’Active Art, j’ai élaboré une grille de classification pour toutes les créations artistiques actuelles. Cette codification n’est donc en aucun cas le résultat d’une notation subjective sur la "valeur" de cette œuvre.
Elle est la désignation du "positionnement géographique" de cette œuvre sur un ensemble d’axes qu’une expérience de trois décennies de Critique m’a permis de synthétiser ainsi :

Axe A : le type de formalisme montré
Axe B : la matérialité de ce formalisme
Axe C : quel rapport existe t-il entre "corps" et "esprit" dans ce formalisme ?
Axe D : quel sens l’artiste a t-il cherché à transmettre ?
(Outre la désignation du "genre" ; exemples : E02 = peinture ; E10 = sculpture…).

Chacun de ces axes étant gradué non pas en fonction d’un ordre hiérarchique, mais d’une simple taxinomie utilisable informatiquement :

A10 à A90 : du plus abstrait au plus figuratif

B10 à B90 : de l’immatériel (vidéo, hologramme…) à l’objet en tant que tel

C10 à C90 : du body art à l’art conceptuel

D10 à D90 : du plus sociétal au plus spiritualiste

Les mélanges d’axes étant bien sur possibles afin de caractériser au plus près l’œuvre en question et donc de la retrouver le plus facilement possible en quelques clics. Ainsi le visiteur (collectionneur, amateur d’art, galeriste, critiques d’art, commissaire d’exposition, journaliste etc.), pourra t-il constituer très rapidement une sélection d’artistes correspondant à sa recherche du moment.

Henri PARENT

Nouveau souffle sur les chefs-d'œuvres de l'antiquité.

Des chevaux ailés, des sanglions singuliers, des lions excentriques, des chiens efflanqués et d'étranges minotaures: Philhelm, Le Monogrammiste tardif de Strasbourg, artiste inclassable réinvente d’une manière surréaliste l’art antique pour rendre présent l'aujourd’hui d’autrefois.

Partons pour l'est de la France, à la frontière de l'Allemagne, sur les bords de l'Ill et du Rhin. Nous sommes dans l'agréable et belle agglomération de Strasbourg, particulièrement célèbre pour sa grande et impressionnante cathédrale gothique du XVème siècle. C'est là, dans sa ville natale, à quelques encablures du centre ville que Philhelm, dans son atelier-galerie redonne vie à de nombreux personnages et mythes de l'antiquité.

En insatiable curieux des arts antiques, il fréquente particulièrement la bibliothèque universitaire de Strasbourg à la recherche de documents sur les civilisations anciennes. Cette bibliothèque est la plus spécialisée de France dans la littérature et les civilisations germaniques. Avec ses collections de plus de 3 millions de documents, elle recouvre toutes les disciplines et possède le plus important fonds archéologique et art antique.

Les peuples babyloniens, minoens, étrusques, et récemment les anciennes peuplades scandinaves, sont devenus le terrain d'expérimentation pictural privilégié de Philhelm. En fervent admirateur du raffinement et de la créativité époustouflante des vestiges que nous ont légués ces peuples, il désire à juste titre, nous faire partager sa passion.

L'approche volontairement très graphique de son travail, rend la compréhension de ses œuvres excessivement aisée. Ainsi le non-initié à la beauté, à la créativité, à l'inventivité et aux mystères des nombreux trésors de l'antiquité, peut s'imprégner et assimiler aisément les compositions originales de l'artiste. Ses tableaux reproduisent une kyrielle de scènes de chasses, de mythes, de batailles et de dieux antiques, toutes découvertes sur une variété de supports, vases, bas reliefs, sceaux, fresques tombales, etc. Il simplifie à l’extrême ces scènes pour en tirer la "substantifique moelle", de telle sorte que l'œil embrasse immédiatement les formes et les couleurs. La signification de ces mythes et légendes devenant ainsi simple à comprendre. Et pour ceux qui veulent en savoir plus, la plupart des tableaux sont accompagnés d'un texte explicatif, véritable petite "biographie" de l'œuvre.

La création d'un nouveau tableau nécessite toujours une longue période préparatoire, pendant laquelle l'artiste revient sans cesse sur le travail commencé en le modifiant suite à d’incessantes recherches. Puis vient le moment "magique", Philhelm commence à peindre, plus qu’un tableau, c'est une œuvre historiée en devenir ! Les tableaux de sa nouvelle période sont volontairement très colorés, souvent de grand format, peints à l'acrylique sur toile. Chaque couleur ayant sa symbolique propre. Cela peut être le noir pour la guerre, le rouge pour l'amour, le jaune pour la paix, et le bleu pour les Dieux. Couleurs qui jouent un rôle prépondérant dans son œuvre.

Quand on regarde l’ensemble des peintures de Philhelm, les formes singulières de son bestiaire et de tous les autres personnages mythologiques souvent anthropomorphes, on ne peut s’empêcher d’admirer la façon avec laquelle il en a épuré la forme originelle. C'est alors qu'un sentiment nous envahi, nous perdons pied, nous sommes transportés dans des contrées lointaines, dans des mondes étranges et oniriques.

Mais n'est-ce pas là, l'émotion qu'éprouvait un Sumérien, un Assyrien ou un Etrusque lorsqu'il contemplait ses Dieux sculptés en ronde bosse ou en haut-relief? Philhelm réussi à nous faire ressentir la quintessence ce que pouvait éprouver devant la beauté, les contemporains des Minoens ou des Sassanides.

En dehors de toutes les contraintes du temps et des modes, le travail méticuleux, profond et sensible de Philhelm, nous fait revivre l’art caché des grands mythes de l'antiquité. L'époque était déjà particulièrement riche en talents. Dans notre contemporanéité, nous avons Philhelm, le Monogrammiste tardif de Strasbourg.